Представьте, дорогой читатель, что вы пришли в Эрмитаж, прошли в залы французской живописи на втором этаже и ваше внимание привлекла поэтичная, прекрасно исполненная картина Луи Ленена "Семейство молочницы". Сюжет её крайне прост: на фоне пейзажа изображены молочница с медным кувшином для молока за спиной, её муж и двое их детей. Рядом с ними, словно член семьи, стоит ослик; у ног молочницы свернулась в клубок собачка. В сравнении с тем, как изображались крестьяне и вообще простой народ в творчестве Брейгеля, Браувера, Остаде, в молочнице, её муже и детях нет грубости, приземлённости. Они серьёзны, значительны и полны достоинства. Обычно в этом и видят всё содержание картины, и, полюбовавшись изысканным колоритом, блестящей манерой исполнения, зритель переходит к созерцанию следующих картин. Но вас удивит, дорогой читатель, что за видимой простотой сюжета, лаконичностью изображения скрыто глубокое философское и нравственное содержание. Ведь художникам XVII века было привычным для выражения своих мыслей использовать аллегории и символы. Посмотрим на картину Луи Ленена с этой точки зрения. Прежде всего возникает вопрос, почему изображено семейство именно молочницы. Молоко - первая пища любого человека, символ питания - телесного и духовного. В раннехристианской церкви молоко подавали вновь окрещённым, молоком причащали детей и стариков. Роль молока столь велика в жизни людей, что она отразилась в народной речи. О здоровом человеке в похвалу говорят "кровь с молоком". О глубоких, вкоренившихся в человека привычках, навыках, знаниях говорят: "Он впитал это с молоком матери". Молочница является центром композиции, цвет её одежды и головного убора, схожий с цветом молока и сливок, выделяет её, подчёркивает важность её труда для жизни людей. Белый головной убор является символом чистоты помыслов молочницы. Собачка у ног молочницы - символ её верности семье, своему делу, своему назначению. На переднем плане картины изображён осёл. Обычно осла воспринимают как образец глупости и упрямства. Таким, например, он предстаёт в баснях Эзопа и Крылова. Но в христианской традиции осёл - символ простоты, скромности, терпения и смирения, трудолюбия. Валаамова ослица знала лучше своего хозяина волю Божью и спасла его от неверного пути и гибели. Осёл присутствовал при Рождестве Христовом, на осле Дева Мария с Младенцем совершала бегство в Египет, на осле же Спаситель въезжал в Иерусалим. В картине Ленена осёл олицетворяет указанные выше христианские добродетели, характеризующие семейство молочницы. Художник тактично соединяет символическое значение осла с правдой крестьянского быта, где осёл был обычным домашним животным. Семейство молочницы изображено на переднем плане картины, крупно, на фоне неба, что подчёркивает его связь с небесным, духовным. Итак, используя язык символов, Луи Ленен возвысил труд и нравственность простых людей, которые телесно и духовно питают свой народ, свою страну. Простая трудовая семья добродетельна и прочна, она и кормилица, и источник духовной силы страны. Теперь вы видите, дорогой читатель, как изменилось восприятие картины после анализа содержащейся в ней символики. Образ простого человека вырос до эпической, почти библейской высоты. И стало понятно, почему семейство молочницы занимает такое значительное место в картине и выглядит так величественно. Луи Ленен за проявлениями повседневной, обыденной жизни сумел увидеть скрытое глубокое философское содержание. Обычной жанровой сценке он придал символическое звучание, поднял её до уровня философского обобщения. Цель этих публикаций - показать способы постижения скрытого смысла произведений живописи. Ведь так много высоких духовных наслаждений могут дать картины великих мастеров! Но мы живём в сложном, быстро меняющемся мире. Современная цивилизация, целиком основанная на научно-техническом прогрессе и создающая непрерывный поток суетной информации, бешеный ритм жизни, не позволяет нам даже одуматься, а не то что вникать в скрытый смысл картин. Поэтому современному человеку, даже искренне любящему живопись, чувствующему её очарование, бывает трудно понять духовное содержание многих великолепных полотен, те мысли и чувства, которые хотел выразить их автор. Хотя часто даже при беглом взгляде на картину явственно чувствуется, что в ней есть какое-то внутреннее содержание, которое нуждается в расшифровке. А при внимательном рассмотрении окажется, что таких картин гораздо больше, чем может показаться на первый взгляд. Как мы уже убедились, выдающаяся картина может иметь две стороны: одну внешнюю, видимую (форма, цвет, сюжет и т. д.) и другую, скрытую, имеющую подтекст. Внешнюю сторону картины всегда можно более или менее точно выразить словами сразу, при первом знакомстве с картиной. Но скрытое философское, духовное содержание подобных выдающихся картин, которое открывает нам, как автор относится к людям, к миру, как он понимает добро и зло, чему он служит, какую цель имел он в виду, создавая своё произведение, раскрывается не сразу, проникновению в духовное, философское содержание таких картин нужно учиться. Конечно, есть великие произведения живописи, не имеющие скрытого подтекста. Их нравственное, духовное содержание глубоко, но в то же время достаточно очевидно, а понимание не требует особого анализа. К таким произведениям относятся многие знаменитые портреты: например, "Портрет папы Иннокентия X" работы Веласкеса или "Портрет старика в красном" Рембрандта. Для понимания подобных портретов нужен житейский опыт, умение распознать характер человека по его внешнему облику. Сюда же следует отнести и блестяще исполненные жанровые сценки, идейное содержание которых бывает почти полностью выражено в названии картины: например, "Молитва перед обедом" Шардена или его же "Трудолюбивая мать". В них художник в поэтичной форме показывает образцы добродетельного поведения. Скрытого подтекста не имеют и многие прекрасные пейзажи. Например, большинство пейзажей Ян ван Гойена, Альберта Кейпа, Похитонова, С. Ю. Жуковского. Эти пейзажи великолепно передают оттенки самых разных настроений, ощущений, которые художник хочет вызвать у зрителя: тишины, умиротворённого созерцания, полноты жизни, радости, печали и т. д. Эмоциональное воздействие на зрителя и есть цель этих пейзажей. Вглядываясь в них, зритель подчас узнаёт о природе то, чего он ранее не замечал, открывает новые грани её красоты и обаяния и, становясь духовно богаче, поневоле начинает больше любить и ценить дивный божий мир. В этих лекциях подробно разбираются только те картины, которые имеют скрытый философский, нравственный подтекст. А зачем вообще нужно понимание духовного содержания художественного произведения? Во-первых, подлинное искусство "…является только одним из способов осознания и выражения божественного, глубочайших человеческих интересов, всеобъемлющих истин духа"1. Поэтому без понимания идейного содержания произведения неполноценно его восприятие 2. Ведь "чем лучше понимают произведение, тем больше могут наслаждаться им" 3. Во-вторых, "…искусство часто служит ключом, а у некоторых народов единственным ключом, для понимания их мудрости и религии" 4. Словом, подлинное произведение искусства ориентировано не только на зрительное впечатление. Иначе оно перестало бы выполнять своё назначение 5. Следует ещё добавить, что постижение скрытого смысла произведения - увлекательное занятие, расширяющее умственный кругозор. Но существующая художественная критика в большинстве случаев не может помочь любителю живописи понять скрытый смысл картины. Даже анализируя отдельно взятую картину, художественная критика в большинстве своём уделяет ничтожно малое внимание смысловому анализу, сосредотачиваясь на истории создания картины, выяснении прототипов героев и характеристике технического мастерства художника. Кроме того, некоторые авторы дают произвольное толкование картин, опираясь на чужое мнение. Вот примеры к сказанному. В капитальном исследовании М. В. Алпатова "Художественные проблемы итальянского возрождения" (Москва, "Искусство", 1976), на стр. 175 при разборе картины Тициана "Любовь небесная и Любовь земная" читаем: "… роскошно одетая женщина - это священная небесная любовь, обнажённая - светская, человеческая". Но при любой трактовке сюжета картины символика одежд и атрибутов "роскошно одетой женщины" говорит явно о земной любви, а обнажённой - о небесной (см. главу "VIII. Композиция"). Ошибочное утверждение М. В. Алпатов делает, ссылаясь при анализе картины на работы Панофски, Винда и других. В альбоме "Рембрандт" ("Белый город", Москва, 1997 г.; текст: Мауриция Тадзартес; оформление: Джованни Брески) читаем на стр. 22 о картине "Похищение Ганимеда": "Этот шедевр исполнен глубокого смысла, до сих пор во всех тонкостях не раскрытого". Тем не менее потом она пишет: "...у Рембрандта же на полотне он изображён младенцем, чья чистая душа страстно стремится к Богу". М. Тадзартес приводит эту ошибочную трактовку картины, не опровергая её. Она предполагает, что Рембрандт воплотил в своём "Похищении Ганимеда" идею из комментариев Карела ван Мандера к "Метаморфозам" Овидия. Но смешно говорить о том, кто плачет и писает со страху, что он страстно стремится к Богу. Сам по себе образ Ганимеда действительно является символом стремления человеческой души к совершенству, к Богу, но надо учесть, что Рембрандт очень свободно трактовал античные сюжеты (например, сюжет о Данае), используя лишь ту часть их фабулы, которая была нужна для выражения его идеи (разбор картины "Похищение Ганимеда" см. в следующей главе). И этот ряд нелепых казусов можно было бы продолжить. Хотя лекции посвящена живописи, я часто для большей убедительности высказываемых мыслей буду прибегать к другим видам искусства: художественной литературе, скульптуре, иногда даже к музыке. Ведь законы художественного мышления, законы художественного освоения окружающего нас мира и его изображения одни и те же для писателя, поэта, художника, скульптора, композитора. Различен материал, в который они облекают свои видения, мысли, чувства, переживания: это слова, краски и холсты, мрамор и бронза, звуки. Различны и инструменты, которыми они работают. Но основные художественные средства, с помощью которых творец воплощает свой замысел, не зависят от эпохи, стилистических направлений и жанров, например, такие элементы композиции, как деталь, символ, аллегория, гипербола, антитеза, ритм, а также сущность композиции произведения в целом: её назначение выражать мысли художника. Цель же искусства - постижение внутреннего мира человека, стремление выяснить, что помогает человеку сохранить или вновь обрести свою божественную душу и что мешает ему быть духовным человеком, а также участие в обсуждении проблем, волнующих современное художнику общество. Так понимали значение своего творчества великие деятели искусства. Список литературы "Мертвое, вещь не требует понимания, ничего не говорит, всякое разъяснение не нужно - отсюда ложное понятие, что всякая картина хороша, которая не требует объяснения... Вспомните самую известную картину, и вам потребуется объяснение, и объяснение только усилит впечатление произведения искусства. Мадонна Рафаэля, Сикстинская - непременно надо знать... идею. "Страшный суд" Микель Анджело: когда узнаете, что этот великий художник передал в своей картине то вероучение Страшного суда, которое занимало всю западную католическую церковь, все народы до 1000 года... когда вы узнаете, что традиционно в этой картине: М[икель] А[нджело] сохранил Страшный суд всех предшественников своих; когда вы узнаете, что эта картина - страница Божественной комедии Данте; когда узнаете, что в этой картине Микель Анджело, страдая страданиями окружающих людей, искал выразить свою веру и надежду на справедливость, которая, по его мнению, одна могла остановить страдания всех несчастных... Тогда только вы поймете живую мысль этого великого человека и великого художника". 5. Гегель считает, что задачи искусства определяют его содержание, круг идей, а содержание, в свою очередь, определяет форму произведения: "Мы уже указали на то, что истинной задачей искусства является осознание высших интересов духа. Из этого сразу же следует, что, поскольку речь идет о содержании, художественное творчество не может отдаваться безудержной фантазии; эти духовные интересы устанавливают определенные точки опоры для его содержания, сколь многообразными и неисчерпаемыми ни были бы его формы и образы. То же касается и самих форм - они также не предоставлены полному произволу. Не всякое формообразование способно выразить и воплотить эти интересы, воспринять их в себя и передать их, но определенное содержание определяет также и соответствующую ему форму". О порочности, даже бесчеловечности искусства, ориентированного только на зрительное впечатление, пишет знаменитый знаток живописи Макс Фридлендер: "Французские импрессионисты настойчиво декларировали необходимость отказа от человеческого участия. Так, Моне однажды рассказывал Клемансо: "Я стоял у постели умершей женщины, которую я, признаюсь, когда-то очень любил... да и в тот момент продолжал еще любить. Я рассматривал ее виски и говорил сам себе - какой интересный фиолетовый цвет... В основе явно синий, только какой? И наверное, еще красный? И, может быть, желтый..." Искусство, ориентированное на абсолютность зрительных впечатлений, превращалось в искусство бесчеловечное. Программным требованием импрессионистов был отказ от любого духовного упорядочивания, от любой интерпретации - во имя непосредственно воспринимаемого образа; во главу угла они поставили лозунг - "все было усладой счастливых очей". В области субъективного, в сфере души и ее отношения к видимому миру, им это удалось в полной мере, в области же объективного они не достигли желаемого результата. Их глаз - не что иное, как орган духа и души, составляющих некое единое целое, склонности и интересы которого диктуют выбор точки зрения, направления взгляда и объекта. Именно поэтому их творения в той же мере определяются личностью художника, что и творения тех, кто сознательно идеализирует видимое. Так называемое абстрактное искусство дошло в этом смысле до крайности. Сочтя, что в живописи по-прежнему слишком много от духовной мыслительной сферы, источником которой является природа, художники в своем стремлении к чисто визуальному искусству и вовсе отвернулись от природы. Нелепость этого последнего художественного увлечения (хотя оно, быть может, и не последнее) заключается в том, что самые дерзкие и радикальные художники обратились, в конечном счете, к самому примитивному живописному жанру - к орнаменту, который уже ничему не служит, а просто парит свободно в пустом пространстве." РЕРАЙТ В Эрмитаже, в зале французской живописи, находится картина «Семейство молочницы», написанная известным художником Луи Лененом, внимания на которую не обратить не возможно, настолько прекрасно и поэтично она исполнена. Поражает и исполнение, и простота сюжета: на фоне пейзажа молочница с медным кувшином для молока за спиной, её муж и двое их детей. У ног молочницы, свернувшись в клубок, лежит собачка, а рядом с детьми, на переднем плане, стоит ослик, ставший, казалось бы, членом семьи. Брейгель, Браувер, Остаде тоже изображали простых людей, но творчество Луи Ленена отличалось тем, что в его молочнице, муже и детях нет обыденности, нет вульгарности, в этом и есть содержание картины. Его работы - это безупречная манера исполнения, изысканный колорит и глубокий смысл. Зрителей, шедевры таких великих мастеров, как Луи Ленен, не оставляют равнодушными и они с большим удовольствием посещают Эрмитаж, чтобы лицезреть его картины еще и еще. Если бы содержание картины лежало на поверхности и выражало только то, что изображено на холсте, то достаточно было бы просто невдумчивого взгляда на манеру исполнения художника, но с этой картиной, как и со многими другими шедеврами XVII века дело обстоит совсем иначе. Характерной чертой этого времени был символизм, аллегории, скрытый смысл, передача замысла завуалировано и непрямо, что заставляло зрителей часами угадывать, что же хотел сказать художник столь незамысловатым на первый взгляд сюжетом. Это касается и картины «Семейство молочницы»: простота сюжета, лаконичность бытовой сцены – это то, что открыто лишь для первого взгляда, при дальнейшем анализе же открывается глубинный нравственный смысл с философским оттенком. Для того, чтобы понять, в чем же кроется истинная сущность этого произведения искусства, необходимо мысленно разделить его на детали и проанализировать каждую из них, оторвавшись от первичного содержания картины. Итак, перед нами встает главный вопрос, который определяется еще в названии произведения «Семейство молочницы». Почему художник изобразил именно молочницу и ее семью, а не представительницу какой-либо другой профессии? Для ответа нужно посмотреть «в корень»: молоко – необычайно важный продукт в жизни человека, который сопутствует ему с самого рождения. Посудите сами: ребенок, появившийся на свет, вкушает молоко матери, вместе с ним вбирая в себя энергию, силы и здоровье, именно поэтому молоко считается не только телесным, но и духовным питанием. В старину в церквях обряды причащения и крещения проходили также с помощью молока. Большое значение молока отражается и в народном творчестве, и в устной речи: о привычках или каких-то качествах человека говорят «впитал с молоком матери», в качестве похвалы всегда приятно услышать «кровь с молоком» и т.д. Главная нить картины прослеживается именно в желании автора показать, насколько значим в нашей жизни этот продукт, а значит и люди, связанные с ним профессией. При подробном рассмотрении центральной фигуры – молочницы, становится ясно, что каждая деталь ее символична. Цвет ее одежды пастельный, схожий с цветом молока, что подчеркивает главную задумку автора, белый головной убор символизирует чистоту ее души и помыслов. Собака издавна считалась символом преданности и верности, и на картине она оказалась не случайно, указывая на верность своему делу и семье. На переднем плане картины художник изобразил домашнее животное, как часть домашнего быта семьи молочницы. Кому-то может показаться странным, почему художник изобразил именно осла, ведь в народе, а также во многих литературных произведениях, например в баснях Эзопа и Крылова, это животное символизирует упрямство, глупость и медлительность. Но это только одна сторона медали, на самом же деле в христианской бытности издавна считалось, что осел, олицетворяет собой трудолюбие, смиренность и терпение. Это подтверждается, к примеру, тем, что в библейских сказаниях упоминания об этом животном прослеживаются довольно часто: осел присутствовал при Рождении Спасителя, на осле же Дева Мария с Христом совершали бегство в Египет, В Иерусалим Спаситель тоже въезжал на осле. Есть и другие примеры: Валаамова ослица, понимая волю Бога, спасла своего хозяина от гибели. Это и доказывает выбор Ленена: на картине осел также символ труда, скромности и терпения в жизни и труде молочницы. Еще один символичный знак картины – это небо, на фоне которого и изображена семья. Небо – символ чего-то возвышенного, чистого и духовного, и здесь оно показывает насколько благодетельна и духовна семья молочницы. Изобразив в своем произведении простую трудовую семью, художник возвысил ее и придал ценности их жизни и труду, как людей, усердно трудящихся во благо своей семьи и Родины, именно такие семьи и являются образцом духовности и силы страны. После такого подробного анализа, становится понятен посыл и замысел художника, разгаданы его символы и знаки, и картина теперь воспринимается совсем иначе. Если раньше она была изображением бытового характера, но теперь ее значимость неимоверно возросла до высокоморальных размеров, и молочница со своей семьей теперь выглядят величественно и свято. Мастерство художника как раз и заключается в том, чтобы увидеть то, чего не видно обычным обывателям, разглядеть в обычных вещах и предметах скрытый, глубокий смысл. Если художник действительно одарован, то почти все вокруг воспринимается им иначе, предстает перед ним, как часть какой-то философской идеи, которую он пытается отобразить в своих произведениях, а задача зрителя постараться отгадать и понять идею автора, тогда любая картина станет для вас целой историей, заиграет новыми красками и чувствами. Так и Луи Ленен увидел в обычной бытовой сцене символичность и глубокое моральное содержание, в его руках кисть отобразила в обычной ситуации философский мотив, духовную наполненность, которая заставляет людей придавать большее значение деталям. Надеемся, что эта статья помогла вам хоть немного понять и открыть для себя мир живописи, который таит в себе много секретов и загадок. На примере картины Ленена была дана характеристика и анализ деятельности художника, показаны пути глубокого рассмотрения произведений искусства, которые помогут больше понять их значимость и ценность. В нашем не простом, суетном мире, где современная цивилизация и научно-технический прогресс задали такой бешеный ритм жизни, что все, куда- то спешат, бегут и это стало нормой. А все прекрасное не любит суеты, к этому прекрасному относится и живопись. Чтобы понять духовное содержание той или иной картины, чувства и мысли, которые вложил в них автор, надо вникнуть в скрытый смысл полотна, а это невозможно сделать лишь при беглом взгляде, который зачастую и бросается на произведения искусств. Бывают, несомненно, и исключения, на которые достаточно посмотреть даже мимоходом, даже не узрев всех деталей картины и ее полного содержания, но уже почувствовать нечто особое, исходящее от живописного творения. А если уж все таки уделить картине время и вникнуть в ее суть и смысл изображенного, тогда вашему взору откроется целый мир мыслей, переживай, а самое главное – духовный посыл, которым автор хотел поделиться со зрителем. Из этого следует, что в абсолютно любое произведение искусства входит две его составляющие, которые и определяют форму и содержание шедевра: внешняя и внутренняя. Внешняя сторона открыта и легкодоступна для простых обывателей и невдумчивых зрителей, т.к. в нее входят форма, цвет и поверхностный сюжет произведения. Более глубокомыслящим почитателям живописи, а также тем, кто во всем любит докапываться до скрытого, еле уловимого с первого взгляда смысла, открывается и обратная сторона картин. Внутреннюю составляющую определяют цель автора, его замысел, то, что он хотел донести до своих зрителей, то, как он видит мир и его проявления, людей и их пороки, смысл жизни и ответы на свои внутренние вопросы. Однако, следует отметить также произведения, которые обладают глубоким смыслом, но для его понимания не нужно искать «подводных рифов», разглядывая холст по сантиметру, содержание и идея лежат на поверхности, но это не делает их менее глубокими. Эти произведения, как правило, включают в себя портреты великих, значимых для истории людей, или попросту людей, которые внутренне отличаются от остальных: к примеру, картина Рембрандта "Портрет старика в красном", произведение Веласкеса "Портрет папы Иннокентия X" и многие другие. Идея авторов таких произведений заключается не в символическом изображении каких-то сцен или ситуаций, в которых заложен тайный смысл, а показ людей, которые своей жизнью и деятельностью внесли огромный вклад в жизни других людей, став для них примеров и образцом для подражания. Такие портреты особенно ценятся историками и людьми, которые психологически имеют способность «читать» людей по лицам, т.е. могут понять внутренний мир человека и его жизнь по его внешности. К картинам без тайного умысла можно отнести также натюрморты, изображающие фрукты, овощи или цветы на столе или пейзажи, на которых автор показывает зрителю изумрудные холмы, бескрайние моря и озера, дремучие леса или величественные горы. Такие картины лишены философских вопросов и тайн мироздания, зато они дарят зрителю тепло и уют, ощущение близости и причастности к природе, помогают увидеть ту красоту, которую мы можем и не замечать в повседневной жизни, а главным моральным назначением их является обратить внимание человека на прекрасное, которое нас окружает. Произведения пейзажей Ян ван Гойена, Альберта Кейпа, Похитонова, С. Ю. Жуковского как раз вызваны помочь зрителю в этом деле. Отдельной группой среди произведений живописи, смысл которых ясен и понятен с первого взгляда, можно выделить жанровые картины, которые посвящены изображению содержания ситуационного характера. Другими словами автор изображает определенный момент в жизни или действиях людей, который сам по себе носит возвышенный смысл. Среди таких картин следует отметить картины Шардена «Трудолюбивая мать» или «Молитва перед обедом» и многие другие. Но картины с «двойным дном» все-таки представляют для знатоков, критиков, да и для многих любителей искусства особый интерес, ведь всегда любопытно не только лицезреть гениальную игру красок и мастерство мазков художника, но и расценивать это еще и как средство донесения до зрителя особой идеи. Подтверждается это и определением искусства, которое дается во многих словарях: искусство – это метод и способ познания и понимания чего-то возвышенного и глубокого, философского и глубоко нравственного. Исходя из этого, истинными произведениями искусства могут считаться лишь те, которые как раз и обладают не только внешним, но и внутренним содержанием, понимание которого дает ключ к восприятию произведения совсем иначе, глубже и интереснее. Не стоит также забывать и о том, что многие народности передают свою мудрость и культуру именно посредством искусства, в которое они и закладывают главные таинства и секреты своих поколений. Исходя из всего этого, можно сделать вывод, что только произведение, имеющее внутреннее содержание можно назвать истинным шедевром искусства, которое не только доставляет эстетическое наслаждение, но еще и активизирует умственную деятельность и мыслительную догадку, направленную на то, чтобы увидеть скрытую идею. Как же научиться, простому обывателю, быть посвященным в тайный мир живописи, в которой ранее он видел лишь внешнюю оболочку? Многие обращаются за помощью к художественным критикам и книгам, посвященным искусству в надежде найти там правила и методы разгадки картин. Но поиск их зачастую не увенчивается успехом, т.к. критики и другие исследователи искусства в основном дают анализ и характеристику лишь образам, представленным на картинах, истории ее создании, биографии автора, факторам, повлиявших на его творчество и многому другому, но совсем не акцентируют внимание на идею и тайный смысл произведения. К тому же, есть авторы, которые опираясь на чужое мнение, делают произвольное описание картин, трактовка которых не соответствует действительности, и тому масса примеров: “роскошно одетая женщина - это священная небесная любовь, обнажённая - светская, человеческая". Но при любой трактовке сюжета картины символика одежд и атрибутов "роскошно одетой женщины" говорит явно о земной любви, а обнажённой - о небесной (см. главу "VIII. Композиция"). Утверждение М.В.Алпатова , которое он делает ссылаясь при анализе картины на работы Панофски, Винда и других , ошибочно. Есть строки о том, что это произведение обладает глубочайшей идеей, которую до конца так никто и не познал, но уже через несколько страниц есть цитата о том, что рембрандтовский младенец – воплощение ангела с кристально чистой душой. Эта формулировка была использована и М.Тадзартес как истинная, т.е. ошибка не была замечена и перекочевала в другой источник. Также она пишет о том, что картина «Похищение Ганимеда» это отображение идеи Карела ван Мандера о "Метаморфозах" Овидия. Но это мнение слишком субъективно, ведь по меньшей мере нелепо упоминать о Боге и стремлении к Нему, когда описывается животный страх, от которого человек даже не сдерживает нужду. Образ Ганимеда в истоке своем, безусловно, символично отражает порыв человека быть приближенным к Царствию Небесному. Но Рембрандт был тем художником, который один из немногих довольно своевольно и свободно передавал античные сюжеты, позволяя себе урезать их и вырывать из контекста, используя только ту ситуационную часть, которая была ему необходима для выражения какой-либо идеи. Из этого следует, что критика и автрский анализ каких-либо произведений искусства вещь довольно субъективная и индивидуальная и с каждой из идей критиков можно поспорить, ведь это всего лишь их индивидуальное видение произведения, а каждый человек, основываясь на своем жизненном опыте и мировоззрении, может видеть в картинах нечто свое. Этот закон касается не только живописи, но и всего изобразительного искусства, а также художественной литературе и даже музыке. По сути, все авторы книг, музыкальных произведений, книг, скульптур имеют своей целью передать свои внутренние чувства и помыслы посредством какого-то материала: для композиторов – это ноты, для писателей – слова, для художников – краски и холст. Их фантазия, душевные искания, переживания, эмоции становятся сподвижниками к созданию произведений, в которых зрители и слушатели впоследствии будут узнавать свои мысли и свои чувства. Время не стоит на месте, и сейчас существует множество форм и возможностей создания произведений, о которых раньше даже и подумать не могли: используются новые материалы в скульптуре, новые приемы в живописи, новые направления в музыке, но «костяк», который лежит в основе всего и который и сделал ту ил иную деятельность видом искусства остался неизменным . Не смотря на разнообразие стилей и концепций в искусстве, основные из них, без которых трудно уже представить тот или иной вид искусства, используются в каждом из них: символ, деталь, фон, аллегория, гипербола, антитеза, ритм, рифма и многое другое. Однако существовало и особое течение, идеей которого было не возвысить искусство и его роль в жизни общества, а наоборот унизить его и осквернить, доказав, что «эта мнимая благодетель не что иное, как форма человеческого безумства». Знаменитый знаток живописи Фридлер в своих работах активно обсуждал эту точку зрения, приводя в примеры случаи с великими мастерами. Так, к примеру, в своих работах он упоминал о случае с Моне. Художник стоял у ложе своей когда-то в прошлом любимой женщины, когда та была при смерти, но его разум и душу одолевали вовсе не скорбь и боль близкой утраты, а чисто профессиональный подход к созерцаемой картине. Моне, глядя на женщину на пороге смерти, разглядывал ее с точки зрения объекта, полного загадочных и непривычных красок: глядя на ее висок (он стоял у изголовья с боку), он наблюдал, как из человека уходит жизнь и размышлял о том, какие загадочные тона приобретает ее кожа, сиреневатый, с синевой, но в основе желтый или даже красный… Сторонники идеи антигуманного искусства как раз и скандировали о том, что искусство настолько завладело душой и разумом его творцов, что они перестали быть людьми, превратившись в бесчеловечных созданий, смотрящих на все вокруг лишь как на объекты для отображения и творения. Глаза художника были уже органом чувств для созерцания мира и природы, а лишь средством для наблюдения за объектом своего произведения, его руки становились помощником в его отображении, т.е. художник по сути не был одухотворенным творцом, каким он должен выступать, а представал всего лишь бездушной оболочкой, которая видела во всех также лишь телесные формы без души. Не бывает дыма без огня, поэтому и в основе такого критичного отношения к искусству действительно лежали определенные художники и их творения. Но все это было слишком мелко, и люди быстро поняли ошибочность этого видения искусства, и подобные «мастера» быстро канули в лету. Для понимания и приближения к истинному миру искусства важным остается понять главную его истину, которую излагали величайшие деятели искусства, – искусство призвано помочь человеку понять моральную, духовную сторону его бытия, постичь свою душевную оболочку, приблизиться к тайнам мироздания и ощутить себя его частью.